Poi ci sono quei registi che non imitano, ma che nascono da quella stessa fonte in cui Tarantino si era imbevuto, non solo mossi dal desiderio di raccontare una storia, ma anche di omaggiare i loro idoli cinematografici. Per Kern Saxton c’è di sicuro lo stesso Tarantino, ma anche una sfilza semi-infinita di attori diventati negli anni delle vere e proprie icone grazie al cinema di genere di ogni tipo. Nasce così, sulla stessa onda di Le Iene e Armored, Sushi Girl, un piccolo film costruito su tante chiacchiere, molte voci e poche immagini davvero significative.

Mark Hamill è Crow.

Dopo sei anni in carcere Fish esce da dietro le sbarre, dimenticato dalla famiglia, ma non dai suoi vecchi “colleghi”. Fuori della prigione aspetta un auto mandata da Duke, il boss della banda con cui Fish fece un colpo finito male. Ad aspettarlo vi è una ragazza vestita solo di sushi, nyotaimori è il nome della pratica giapponese, ed attorno a quel tavolo la banda al completo: il viscido Crow , il violento Max, il redento Francis e lo stesso Duke. Come se non fosse passato un solo minuto da quel lontano giorno in cui un incidente mandò tutto in fumo, Fish è interrogato e torturato al fine di scoprire dove son finiti i diamanti, ma le sorprese si susseguiranno, una dietro l’altra.

Il maggior colpo di scena non è affatto una sorpresa, c’era infatti da aspettarselo, la vera gioia di Sushi Girl sta nel vedere in azione Tony Todd al fianco di un tarchiato e “largo” Mark Hamill, il cui duetto con Andy Mackenzies funziona più di quanto ci si potesse aspettare. A loro si aggiungono James Duval e Noah Hathaway, mentre in piccoli ruoli secondari fanno la loro apparizione Sonny Chiba, Jeff Fahey, Danny Trejo e Michael Biehn. Si passa insomma da Candy Man a Luke Skywalker, da Atreyu a Machete, da Kyle Reese ad Hattori Hanzo.

Tony Todd e Noah Hathaway in Sushi Girl

I meriti di Sushi Girl non nascono solo da casting eccellenti e un po’ piacioni, ma anche dalla buona sceneggiatura scritta da Destin Pfaff e lo stesso Saxton, i cui dialoghi brillanti, uniti principalmente all’interpretazione di Mark Hamill e alla imponente voce di Tony Todd, sono il miglior mezzo di intrattenimento di tutta la pellicola. Non un’opera memorabile né da ricordare negli annali, ma l’unione di così tante icone sotto una sola macchina da presa è qualcosa che rimarrà nella storia del cinema, quella storia scritta solo per chi ama quei personaggi forti e immortali. Sushi Girl è un film che rassomiglia in pieno la pratica del nyotaimori: feticismo puro, un richiamo fisico verso qualcosa di tanto amato.

Fausto Vernazzani

The post Sushi Girl (Kern Saxton, 2012) appeared first on .

Il mestiere di John Trent è privo di fantasia tanto quanto necessita di furbizia, il suo scopo è smascherare i bugiardi tra quelle persone che dichiarano di aver diritto ai soldi dell’assicurazione in seguito ad una grave perdita. E il volto arguto, lo sguardo pieno di Sam Neill doveva essere scelto per questo personaggio straordinario. Dopo essere stato assalito da un uomo armato di ascia, scopre Sutter Kane (Jürgen Prochnow), uno scrittore di libri dell’orrore che vende più di Stephen King – secondo scrittore ispiratore de Il seme della follia -, svanito nel nulla da due mesi, ma le cui opere stanno dando vita ad un vero e proprio culto. Parte così un viaggio per scoprire la verità sulla scomparsa, voluta dalla casa editrice (il cui capo è un certo Charlton Heston) e Trent stesso, convinto dell’assurdità di tutto ciò.

John Trent pronto all’apocalisse.

La figura dello scrittore come l’ha spesso intesa lo stesso King, ha un’aura divina, i suoi personaggi possono talvolta prendere vita o diventare delle vere e proprie divinità: Sutter Kane corrisponde a queste caratteristiche. Guidato dal potere di creature degli abissi, antiche quanto l’universo stesso, si prepara a dare al mondo una nuova non-forma. Come ne La Cosa e nell’altro compagno della cosiddetta trilogia dell’apocalisse, Il signore del male, anche ne Il seme della follia Carpenter dà importanza all’amorfo  alla futilità del corpo di fronte al male più assoluto. Uno spirito che vive nelle pagine di Lovecraft, un dolore elegante che deriva dai versi di Poe, e soprattutto una spettacolarità pop di natura kinghiana.

Ed è nella follia che Carpenter ci porta, ci costringe ad affezionarci allo scetticismo di Trent tanto da far impazzire anche lo spettatore insieme con lui, il più sano degli uomini in un mondo affacciato sul cornicione d’un palazzo antico pieno di segreti. Al terzo capitolo di questa trilogia tematica capiamo come l’umanità sia destinata a finire, in un modo o nell’altro gli antichi, gli alieni o le nostre stesse credenze ci colpiranno e smembreranno dall’interno col nostro consenso, un terrore il cui più grande esempio è contenuto in una singola angosciante scena: Sam Neill immerso nel colore preferito di Sutter Kane. Scena che vista nell’insieme dell’intera pellicola fa rabbrividire quel pubblico più sensibile al tema.

Al tempo della sua uscita, nel 1995, non fu affatto un successo commerciale, ma come ogni opera di John Carpenter, racchiude in sé un’ombra di genialità che pervade ogni fotogramma, illuminato con una personalità in pieno stile anni Novanta da Gary B. Kibbe. Lo status di cult non gli rende giustizia in verità, Il seme della follia ha in sé una delle migliori interpretazioni di sempre di Sam Neill, attore all’epoca alla ribalta grazie a Jurassic Park, Lezioni di piano e Il libro della giungla, ed una delle più belle visioni cinematografiche degli spaventosi testi di Howard Philip Lovecraft.

Fausto Vernazzani

The post Il seme della follia (John Carpenter, 1995) appeared first on .

Il mondo adora i vampiri. Peccato che quelli idolatrati oggi, oltre che gravemente adorati, abbiano la stessa dose di fascino e mistero di un uovo sodo, così come le storie da essi vissute. Attorno al 2008 Il vampiro vive in maniera ritirata, ma incontra l’amore della propria vita, ovviamente umano vivente, e per esso si strugge. Brillantini ed espressioni da trota a parte, nello stesso anno gli sceneggiatori più creativi della terra tentano di rinfrescare il mito del vampiro e dell’amore impossibile, farcendo le seconde serate televisive di sangue, sesso e paganesimo. Lo schema vincente «Vampiro dannato + Umano dall’intelligenza vagamente sottosviluppata» rimane, ed è difficile continuare ad assecondarlo. Così i vampiri scompaiono. Le ragazzine del 2008 sono cresciute, il vampiretto sexy dal capello fluente non attira più le adolescenti, ora impegnate nella visione di “cult d’epoca” come I Love Shopping e La rivincita delle bionde.

Però c’è chi, imperterrito, ha voluto dare una seconda chance al vampiro di massa. C’è chi, nel 2012, non ha voluto darsi per vinto e gira Kiss of the Damned in cui una splendida donna dalla chioma rossa vive nella campagna del Connecticut, conducendo una vita solitaria tra libri da tradurre che, con le pellicole romantiche della prima parte del ’900, accompagnano le sue giornate. Essere vampiro la costringe a non vivere il giorno, approfittando della notte per concludere i suoi lavori. Djuna (Joséphine de la Baume) possiede un fascino magnetico, rinchiuso nei suoi occhi glaciali e poggiato tra i suoi capelli, con cui attrae Paolo (Milo Ventimiglia), giovane sceneggiatore silenzioso. I primi incontri tra i due sono descritti dalla regista, Xan Cassavetes, come timidi, fatti di sguardi pregni di tensione e sentimento.

Ma Djuna è pur sempre un vampiro, e si sa, il sangue chiama. Djuna e Paolo non vivono niente di differente dai zuccherati Edward e Bella, ma la Cassavetes con Kiss of the Damned non imbarazza il pubblico. Ispirata ai B-Movie anni 70, di cui se ne sente il profumo sin dai primi secondi della pellicola, la regista introduce i suoi personaggi in modo pacato, ma proprio per questo originale, ben utilizzando la naturale bellezza e il fascino spontaneo della splendida protagonista. Djuna non brilla alla luce del sole, né decide di rischiare di uccidere un uomo facendoci del sesso. Nelle sue camicette bianche osserva, riflette, per sempre giovane e bella lavora, traduce, si commuove assistendo ad un bacio cinematografico in bianco e nero. Tra serate di gala e begli abiti riesce anche a gestire la propria vita sociale e, perché no, amorosa. Da non morta non possiede battito cardiaco, ma vive come un qualsiasi essere umano, alternando la tranquillità delle prime ore serali all’orrendo terrore dell’andare a caccia: Djuna è  contemporaneamente animale ed essere umano, predatrice si, ma tendente al pentimento. Rivelando pietà verso l’essere umano e la vita in sé, Djuna rispetta la morale senza dare nell’occhio. Fin troppo pacato è il suo essere vampiro.

Lo sdoppiamento di personalità nel corpo di una piccola brunetta dal fascino inquietante, Mimi (Roxane Mesquida), rivela invece il torbido nascosto nel cuore gelido di un non morto: la parte bestiale di Djuna, il tormento del vampiro e l’erotismo scatenato vivono in Mimi, rappresentante dell’archetipo vampiresco a stento recuperato durante il lungometraggio. A suo scapito ci si sofferma sulla moralità pietosa di Djuna, dipinta come una borghese qualsiasi, dimenticando l’estremismo tremendo e temibile del vampiro “classico”, a cui lo spettatore cinematografico non standardizzato vorrebbe riabituarsi. Ma la regia della Cassavetes, ai suoi esordi, rende la pellicola piacevole, e sicuramente Kiss of the Damned ne esce più credibile di qualsiasi saga americana. Più terrore, meno ipocrisia.

Alessia Romano

The post Kiss of the Damned (Xan Cassavetes, 2012) appeared first on .

Il successo di Jonathan è così grande da spaventare le corporazioni, i discendenti delle lobby odierne riuscite a portare il capitalismo al controllo completo del mondo attraverso le quotazioni di mercato. Le città sono proprietà di aziende dell’energia elettrica, del petrolio o magari dei trasporti e gli amministratori sono i padroni, sostenitori di una sola regola: l’individuo non deve avere più alcun potere. La passione per il Rollerball di Jonathan diventa così qualcosa di più, il suo insistere nel continuare rappresenta per i tifosi una lotta contro il sistema, una battaglia all’ultimo sangue contro chi vorrebbe il singolo schiacciato.

James Caan contro tutti nel finale di Rollerball di Norman Jewison.

Alla regia il canadese Norman Jewison , saturo come suo solito di una vena ribelle, diviso tra atmosfere d’azione e foschie felliniane. Rollerball si apre e si chiude con due scene mozzafiato, il gioco viene rappresentato quasi nella sua interezza in ogni partita, il volo sui rollerblade di ogni giocatore è sanguinoso, l’omicidio non è contro le regole se queste sono “disattivate” dall’organizzazione  una strage vera e propria si compie di fronte al pubblico lobotomizzato. Dall’altra parte ci sono invece le feste, di cui Jonathan E, alias James Caan, è il protagonista spento, come una sorta di Marcello Mastroianni alla ricerca di un senso nelle sue passeggiate ne La dolce vita.

La spensieratezza si confonde con il vuoto cerebrale, il divertimento consiste nel correre in abito da sera nell’umidità di colline così false da risultare opera dell’uomo più che della natura, sbeffeggiata e distrutta per il vano divertimento d’una società in rovina anche nei piani più alti. Jewison sfrutta così lo script di William Harrison, dandogli una forte connotazione politica che ancora oggi può essere sentita vicina, in questi giorni in cui il capitalismo ha dimostrato di essere un sistema che non funziona per la gente comune. Uno schiaffo che si manifesta anche nei costumi, poco distanti da quei modelli che spopolavano negli anni Settanta, come se Jewison avesse immaginato un futuro fermo.

L’evoluzione è solo nella bramosia di sangue del popolo, addestrato a frustate a godere della morte dei giocatori, ignari di tutto ciò che viene tramato alle loro spalle, incoscienti di ciò di cui sono rappresentanti. Da una spinta simile soltanto poteva nascere il disinteresse verso i personaggi e gli amici di Jonathan E, come il duro Moonpie (John Beck), e la moglie Ella (Maud Adams), non forti sul piano recitativo quanto il corporato Bartholomew (John Houseman). Rollerball è un classico tutto da recuperare e rivalutare, un diamante nel cinema di genere degli anni Settanta.

Fausto Vernazzani

The post Rollerball (Norman Jewison, 1975) appeared first on .

Gli abusi in famiglia sono un tema caro all’uomo e pertanto anche all’arte, come letteratura e cinema, già entrambi ambasciatori di lunga data. Un uomo (Edoardo Lomazzi) e una donna (Fanny Guidecoq) sono i nostri protagonisti, entrambi nel cuore ancora bambini, sconvolti da una tragedia della cui portata siamo testimoni solo col nostro udito e gli occhi. Le urla feriscono viso e terreno, un enorme peso manifestato in una cicatrice in crescita come fosse un’infezione sul volto di lei, un enorme peso visibile all’esterno dell’abitazione: un masso fluttua nell’aria, un dolore duro come una roccia.

In undici minuti il tempo si confonde, si piega su se stesso, perché quando qualcosa di terribile segna l’anima per sempre non c’è modo per lo spostamento dei giorni di avere un qualche effetto reale se non sul corpo. La pietra impedisce ogni possibile movimento. Of your wounds è un’opera a 360° che dimostra il talento di un’unica persona, riuscita a realizzare in maniera splendida non solo la regia, ma anche la fotografia (curata insieme a Luca Cottinelli) e il montaggio, entrambi elementi tecnici indispensabili per la riuscita di un prodotto cinematografico simile, a cui si aggiunge poi il “breve” effetto visivo della roccia, il Mystery Box alla J.J. Abrams che induce lo spettatore a chiedersi per più tempo di quanto il corto stesso duri cos’era davvero.

L’abuso familiare è un fenomeno tremendo, le sue forme sono così varie che la mente talvolta non riesce a metterle sullo scaffale giusto, a dargli un volto ed un’immagine ben precisa. Un cortometraggio italiano di cui andar fieri, Of your wounds ha girato il mondo e chissà se Piovesan non riesca un giorno a fare il suo debutto distributivo nel lungometraggio, dandoci così occasione di vederlo all’opera con qualcosa di ancor più complesso, ma per ora son contento di poter vedere e rivedere il suo lavoro, pubblicato online su vimeo per la gioia di tutti noi.

Fausto Vernazzani

The post Of your wounds (Nicola Piovesan, 2012) appeared first on .

A dodici anni dalla morte di Junpei, Ryo e la sua nuova moglie, col figlio Atsushi nato da un precedente matrimonio di lei, si recano verso la casa dei nonni Yokoyama per celebrare l’anniversario e portare nuovi fiori sulla tomba. Gli Yokoyama vivono nel rimorso, la madre Toshiko sogna un mondo in cui Junpei non muore per salvare un bambino che neanche conosceva, Toshio, Kyohei, il capo-famiglia e medico in pensione, considera ancora il suo primogenito il suo erede. In un’atmosfera pesante la famiglia si mantiene unita sforzandosi a più non posso, la tensione la si può tagliare con un coltello e Ryo sente di non provare più lo stesso affetto che aveva per i suoi genitori quando era un bambino che sognava di essere come suo padre.

Mi incuriosisce il titolo del suo prossimo film, Like Father, Like Son, lo stesso Still Walking poteva fregiarsi di un titolo simile: tre generazioni rappresentate da silenzi e porte (anche metaforiche) chiuse al mondo esterno. Kyohei incolpa la famiglia della morte del figlio, Ryo incolpa il padre per averlo privato di un sogno un tempo suo, Atsushi desidera di seguire le orme dei defunti, sia dello scomparso Junpei che del suo stesso padre da lui mai incontrato. Sono sogni che vivono la breve vita di una farfalla dalle ali gialle, il simbolo dei morti, che si aggira nelle sale illuminate e sovraesposte da Yutaka Yamasaki. Hirokazu Kore-Eda chiude questi individui “regolari” traendo quel che c’è di speciale dal loro dolore, un male che li spinge a procrastinare ogni loro azione.

“Uno di questi giorni…” è la frase più comune ch’esce fuori dalle labbra di tutti i personaggi, abitanti di strade vuote e circondati dai fantasmi, capaci di sorridere solo di fronte agli eventi passati, trasformando la bellezza nella vita d’una persona così poco rappresentata dalla verità e dalla realtà che ci si chiede se sia mai esistita. In questo si sente l’astrazione di Tsai Ming-liang e del suo Che ora è laggiù?, ma Kore-Eda non abbandona il suo Still Walking a sensazioni già vissute, le affida anzi ad un ottimo cast da cui spicca il talentuoso Hiroshi Abe nei panni di Ryo, capace di dare il meglio di sé in ogni scena condivisa col più anziano Yoshio Arada: entrambi persi su una spiaggia a parlare di futuri mondi, cercando inutilmente di preservare l’integrità e l’innocenza di Shohei Tanaka (Atsushi).

Ryota e Kyohei sulla spiaggia.

Still Walking è un’opera pittorica, dipinge alla perfezione la fame di vita degli Yokoyama, le cui figure camminano ancora in uno spazio dai confini imprecisi, segnato da pennellate forti che assomigliano alle lingue d’un fuoco. Un capolavoro di quelli indimenticabili, da tenere stretti al petto per mantenersi ancora in piedi e godersi la bellezza d’un cinema più vivo che mai come quello di Hirokazu Kore-Eda, uno dei migliori giapponesi del nostro tempo.

Fausto Vernazzani

The post Still Walking (Hirokazu Kore-Eda, 2008) appeared first on .

Il tema da lui affrontato si avvale di dinamiche metafisiche e matematiche, tramite cui tutto è rappresentabile.
Il capo della trama è sintomo della partenza da un presupposto razionale: il piccolo Maximillian Cohen (Sean Gullette), a 6 anni, guarda il sole direttamente. Questo trauma lo costringe da adulto – e matematico -, a frequenti e dolorose emicranie, ma i suoi studi sui numeri lo tengono occupato nel suo laboratorio dove cerca di far emergere schemi con cui predire le quotazioni in borsa. Quando alcuni emissari di un’azienda quotata a Wall Street iniziano ad avere verso l’ebreo pericolose attenzioni, Maximillian entra in contatto con credenze ebraiche influenzate da misticismo cabalistico. Qui la sua sanità psicofisica è terribilmente minacciata da continue emicranie e delirio matematico, delirio dovuto dall’ossessione delle sue stesse ricerche. Max tenta di scappare, di togliersi di dosso il peso delle speculazioni ortodosse ma riuscirà a rinsavire solo con un gesto estremo.

Maximillian Cohen nel suo laboratorio

L’infinito rappresentato dal numero dell’ossessione, il π (pi greco = 3,1415926536…), affascina più del linguaggio estetico scelto da Aronofsky, per cui la tendenza espressionista della pellicola è magistralmente accompagnata da una coreografia di numeri, veri protagonisti del film: ogni cosa è rappresentabile da un numero, tutto è compreso in degli schemi e l’essere umano non è detto possa arrivare a comprenderne il significato. Allo stesso modo il potere eseguito dalla matematica schiaccia l’essere umano attraverso il potente ascendente della Torah e della religione che ne applica le leggi. Maximillian Cohen segue l’iter del Faust che per sete di conoscenza vende l’anima al diavolo: il protagonista di π – Il teorema del delirio finisce col privarsi di una parte del proprio genio per salvare la sanità mentale, messa alla prova da una vera e propria discesa negli Inferi.

Il cinema presentato da Aronofsky con π appare quindi scarno, freddo, isterico, privo di orpelli stilistici ma denso di tensione, alimentata da una collocazione temporale incerta. L’instabilità mentale del matematico e la sensazione di precarietà sono palpabili dallo spettatore e lo conquistano, regalando un viaggio a tappe nei meandri della matematica e negli angoli nascosti della mente.

Alessia Romano

The post π – Il teorema del delirio (Darren Aronofsky, 1998) appeared first on .

In questa nuova space opera la Miss Congeniality è la Dottoressa Ryan Stone, un ingegnere medico in orbita attorno alla Terra per il suo primo viaggio oltre i nostri cieli. Suo compagno di viaggio è Matt Kowalsky (George Clooney), veterano dei viaggi stellari al suo ultimo ritiro nelle profondità dello spazio. Mentre la loro missione si svolge in tutta tranquillità, lo shuttle si distrugge per una ragione sconosciuta ed i due astronauti vengono sbalzati nel nulla e l’unica soluzione per salvarsi è nuotare ancor più lontano dalla Terra.

Questa la sinossi di Gravity, e mentre la Bullock e il Divo Clooney svolazzano nello spazio per un film intero, a noi rimarranno delle immagini meravigliose del Sistema Solare, del pianeta Terra visto dall’alto – o dal basso -, insomma, un mare di CGI non troppo accattivante. Ma questo è quanto e Cuarón sembra puntare molto su questa sua nuova avventura cinematografica, di cui non sarebbe legittimo dubitare visti i risultati dei suoi precedenti film. Ma Sandra Bullock? Lei non è un buon segno, così come il curriculum sci-fi di George Clooney, che, seppur amato dallo stesso Stanisław Lem, non era proprio il massimo col suo Solaris. Ma, come al solito, si pontifica sul nulla, anzi, per l’esattezza, su un brevissimo teaser.

Fausto Vernazzani

The post GRAVITY è la space opera di Cuarón appeared first on .

The Lords of Salem – Le streghe

Il difetto di quel tentativo di semi-parodia trash che è The Lords of Salem è, forse, proprio quello di prendersi troppo sul serio. Scadendo nel ridicolo. Tanto che viene da chiedersi se [SPOILER] l’eroina, più volte citata, sniffata e probabilmente iniettata nel corso della storia e delle sue ellissi, l’abbia assunta Zombie assieme a parte del cast tecnico[FINE SPOILER]. E se è così, i più vivi complimenti al fornitore, perché l’effetto che ne deriva non è soltanto la già menzionata serie di incubi e diaboliche allucinazioni – contenenti capre, stambecchi (?!), scene di parti difficili cui manca soltanto Moretti che urla “epidurale per tutte”, falli di gomma, falli elettrici, falli tentacolari, signori del Male travestiti da Brunetta con addosso un sacchetto della raccolta differenziata. La conseguenza è il CAOS più totale: della sceneggiatura prima, della regia poi. La conseguenza è che ci si chiede: come mai quella finta sfigata della protagonista Heidi (Sheri Moon, bella e brava signora Zombie)* ami far prendere aria al sedere mentre dorme. Come mai Heidi chieda alla vicina, a neanche 10 minuti dall’inizio del film, chi vive al numero 5 del condominio – perché ha visto il solito “qualcuno” a cui fischiano le orecchie negli horror di bassa lega – e, sentendosi rispondere “nessuno”, controbatta con tanti saluti e grazie. Come mai un uomo che s’è occupato a tal punto dell’argomento ‘streghe di Salem’ da riuscire a scriverne un libro non conosca né abbia mai letto il diario di Jonathan Hawthorne, storico persecutore e giustiziere delle adepte di Satana. Come mai i sottoposti del Sommo Antagonista facciano più paura di lui stesso, capace di suscitare soltanto una modesta ilarità, oltre che di inguaiare il climax del Lacrimosa di Mozart. E così via.

Non basta inserire nel cast la discreta e affascinante Moon o la carismatica Patricia Quinn (nel ruolo di una delle simpaticissime condomine di Heidi); usare Bruce Davison, interprete del reverendo ne La seduzione del male, per dare un volto all’esperto di stregoneria [SPOILER] ucciso miseramente a padellate [WTF - FINE SPOILER]; fare incetta di riferimenti – scenografici e non – a The Shining di Kubrick, Le voyage dans la lune di Méliès, L’esorcista di Friedkin e Black Swan di Aronofsky; selezionare una (pur lodevole) tracklist per la colonna sonora, includendo l’alienante motivetto dei malvagi sviluppato su quattro note e un trillo telefonico, che fa molto base techno di un brano di Miss Kittin. Non basta la scelta di concludere il film con una disturbante sequenza onirica, montata alla stessa maniera serrata e videoclippara con cui Aronofsky (ancora lui) ha firmato la fine di Requiem for a Dream scrivendone anche il mito. E non basta nemmeno il nobile significato, intravisto ed incerto, della critica a quella solitudine cui la società condanna i sofferenti, e dove più facilmente attecchiscono demoni e fantasmi, nella totale indifferenza delle religioni.

Va detto ‘basta’, piuttosto, all’insensatezza: anche il nonsense ha le sue regole. E The Lords of Salem ne è quasi del tutto privo: delle streghe rappresenta solo il calderone. Un pentolone ben venduto, per di più, ennesima dimostrazione dello strabiliante potere del marketing. Che da fin troppo tempo predetermina anche i nostri gusti.

Francesca Fichera

* uno spettatore dopo la visione: “La ragazza bionda… sai che è la figlia del regista?” – il LOL definitivo

The post The Lords of Salem (Rob Zombie, 2012) appeared first on .

Peter, Steven, Oliver, Andy e Gary sono cinque amici di infanzia famosi per le loro pub crawl (il giro dei pub), ma quando tentarono di fare il più grande crawl di sempre con dodici pinte in dodici diversi pub, fallirono. Venti anni dopo Gary ritorna da ognuno di loro per convincerli a ritentare il grande giro, questa volta sfidando la sorte con cinquanta pinte o addirittura sessanta, ma c’è una difficoltà in più: l’umanità è sotto attacco, gli abitanti di Newton Haven sembrano essere posseduti da creature da villaggio dei dannati o invasione degli ultracorpi. A quel punto completare il crawl sarà l’ultimo dei loro problemi e la sopravvivenza del mondo intera si deciderà

Simon Pegg e Nick Frost sono i due principali protagonisti, ma oltre loro si aggiungono gli altri big del cinema inglese: Eddie Marsan, a mio parere uno dei migliori attori viventi, Paddy Considine, il celebre attore feticcio di Shane Meadows,  e Martin Freeman, grande interprete sotto i riflettori per esser diventato il secondo Hobbit più famoso della storia del cinema. Si aggiungono tra i secondari l’ottima comprimaria Rosamund Pike, già abituata alla commedia come spalla di Rowan Atkinson in Johnny English Reborn, e Rafe Spall, nel bel mezzo di una scalata per il successo grazie ai suoi piccoli ruoli in Prometheus e Vita di Pi.

E oggi è uscito il primo trailer, dominato com’era prevedibile dal dark Gary (Pegg) e dall’obeso e violento Andy (Frost), in lotta con sgabelli sui pugni e con camicie da strappare in puro stile Hulk. Ma il bello sarà, come anche per gli altri due precedenti capitoli della trilogia, scoprire tutti i riferimenti cinematografici, ma anche letterari, già citati dallo stesso Wright, come ad esempio lo scrittore John Wyndham, autore de Il giorno dei trifidi. Una vera e propria pacchia, geniale già solo dalle prime immagini che ora qui sotto potrete godervi a ripetizione.

Fausto Vernazzani

The post THE WORLD’S END con la Trilogia del Cornetto appeared first on .